解锁日韩泰越印当红新锐设计师
日本
WE+
来自自然的吸引
推荐人：木田隆子《Elle Decor》日本版品牌总监
推荐理由：“日本的设计产业非常发达，上世纪50至80年代，我们从北欧和意大利设计中学习很多，从而发展出日式简约设计，以深泽直人、吉冈德仁、佐藤大三位设计师为代表的日本设计已经很有竞争力。而日本新生代的设计师则有些不同了，WE+在产品设计的概念上完全自由发挥，他们不再受意大利设计和北欧设计的影响，而是在当代设计和艺术设计的范畴里走自己的路。去年圣诞节期间他们为Mikimoto品牌设计了一棵圣诞树装置，非常现代。”
WE+是东京的设计与开发工作室，2013年由林登志也（Toshiya Hayashi）和安藤北斗（Hokuto Ando）创立，他们将开发实验与技术手段运用到产品设计、装置与平面设计等现代设计实践中，结合非传统的材料与工艺，并转变视野。曾受邀参加米兰设计周和巴黎Maison & Objet博览会，获得过《Elle Decor》日本版EDIDA日本新锐设计师奖。
“未来的设计师不只是画图，要给这个世界带来新鲜的视角，这让工作变得很难，也很值得。”
WE+经常和其他来自亚洲各国的设计师参加设计展览，不同国家的设计师在作品中会显示出来自文化母体的影响。在WE+的观察中，年轻一代的亚洲设计师整体看来更有活力，与来自欧洲、美国的设计师不同，“我们觉得亚洲设计师有一种倾向，他们会以极简的方式，用独特材质和形态，结合自然界中的符号性元素进行设计。”WE+亦是如此。
Swarm是一系列的特色椅子和花瓶，表面由相同材质的聚合物组成。细小的金属丝被椅子和花瓶中的磁铁吸引聚合在一起，在表面形成随机的外形。
一个圆形的照明装置上，像晨露一样的水滴在重力作用下，摇摇欲坠，灯光透过“水滴”折射出迷人效果—这些“水滴”其实是一种亲水性的化学材质。
他们的设计包括产品设计、橱窗设计、空间设计、艺术装置作品……客户从时装品牌、零售空间到化学公司，尽管作品涉及领域众多，我们还是能从他们的作品中看到一些共性：光、水、风，这些来自自然界的“材料”往往会以一种实验性的形态出现在作品里，时间的流动以物质的方式呈现出来。与其说WE+做的是设计，不如说他们在做一种具有当代审美意识的艺术实验。
西武百货的圣诞主题橱窗设计，一个巨大的红色挂毯被一架匀速转动的机器扯出线头，一点点缩短，几周之后，最终露出了挂毯背后的新年日历。
除了产品设计，WE+还为时尚品牌三宅一生、西武百货等设计过橱窗装置。在和不同品牌合作时，WE+团队会先了解品牌历史和理念，再开始自己的创作工作。整个过程中，他们对如何清晰表达品牌理念深思熟虑。尽管合作客户来自不同行业，WE+对自然现象的观察、对时间性的思考会贯穿不同作品中，“这些会唤起每个人儿时的记忆。”
大城健作
大器晚成
大城健作（Kensaku Oshiro），出生于日本冲绳。1999年获得米兰工业设计学院工业设计专业硕士。2004年工作于Lissoni Associati设计工作室。2012年下半年，与Barber &Osgerby工作室合作。2015年在米兰开设工作室。曾参与众多展览与评选，获2006年米兰家具展卫星展“设计报告奖”一等奖、2012年“Cristalplant设计比赛”和“Gandia Blasco设计比赛”一等奖，以及“青年与设计奖”两次特殊提名。
“设计是可以共享的，通过设计可以分享我们的视野，交流我们的生活。保持各自的国际设计语言很重要，因为只有通过这样的方式交流，才是设计的精髓。”
大城健作自小动手能力很强，喜欢钻研开发。15岁时，他已经开始接触意大利设计，这些产品背后沉淀的智慧和自由的线条让他着迷。
创业之初他就遇到了自己的伯乐，家居大牌Poltrona Frau在他独立的第一年便抛来橄榄枝，第一款合作产品Leplì凳系列融合了时装成衣的精巧缝制，以品牌标志性的经典缝线和柔软褶皱展现了如女性玲珑体态的柔美，因而大获成功，也开启了他与大牌的合作之路。
东方人含蓄的性格，让大城健作擅长倾听和研究。在开始任何项目或合作之前, 他总是先试图了解客户的愿景，以及品牌哲学和历史。在他看来，这是创建原创和真实产品的基础。
今年米兰展上为Poltrona Frau创作的作品Arabesque扶手椅，以婉约的线条展示如舞者身体般的张力，在东西方的几何元素中游走。通过他的作品，可以感受到属于西方的材料、技术和形式上的自由，也可以看到属于东方的简约与禅意。
Clover Pot for Ligne Roset
Nuno for Zanotta
机遇固然重要，对自己定位的认知让大城健作更清楚工作室的发展方向。将共生的东西方设计思维融入现代设计，用传统的手工艺增添设计的独特性。他常年探访手工匠人的作坊，并运用几乎失传的手工艺于自己的作品之上，提升品质的同时也保护了工艺的传承。在他的产品中，几何形态得到了广泛的运用，也成为了他独特的设计语言。
Mist-o
简洁非极简的设计
Mist-o是由日本设计师池内野有（Noa Ikeuchi）和意大利设计师Tommaso Nani在2012年成立的，两人都生于1983年，一个来自日本东京，一个住在意大利米兰。他们的工作室像是欧洲和亚洲设计的桥梁，体现出欧洲和日本的审美意识2016年他们获得《Elle Decor》日本版年度日本新锐设计师奖。
“我们不是设计某一种特定的东西，我们喜欢做不同的项目，和不同尺度的东西打交道。”
两个人说，每个项目都要从头开始，发现新东西，这个过程既刺激又享受。在不同项目中，我们可以看到一些共同的特性：简洁、严谨、优雅的外形。“我们经常被称为是‘极简主义者’，其实我们更愿意被称为是‘简单主义’。”
作品有限量产品设计，也有大批量工业设计产品，从家居饰品到空间设计，涉及不同领域，既包括给Ichendorf Milano品牌设计的玻璃水壶、给Tod’s设计的限量版豆豆鞋，还有为Living Divani设计的室内外通用的卧床，甚至包括为直升飞机公司做的机舱设计。
辰野しずか
手工艺与永恒性
推荐人：木田隆子《Elle Decor》日本版品牌总监
推荐理由：“辰野しずか将日本传统工艺与现代设计结合，讲述了全新的设计故事。今年5月东京室内生活方式展上她推出了新品牌Korai。”
辰野しずか（Shizuka Tatsuno）生于1983年，毕业于伦敦金斯顿大学，学习产品与家具设计。毕业之后积累设计经验，成立了自己的设计工作室“Shizuka Tatsuno Studio Inc.”，主要集中在家具设计、室内设计和首饰设计，以及产品全案设计。2016年她曾获得《Elle Decor》日本版年度日本新锐设计师奖。
关注传统手工艺与时间的永恒性
辰野的很多作品都是日常生活中随手使用的小物，一把剪刀、一个托盘、一只人形玩偶……如果进一步了解产品背后的设计理念、制作工艺和对材质的选择，就会让人忍不住赞叹，这些看似不着力的设计，其实有设计师缜密的思考。
“hoki_hera”的鞋拔，是她看到日本长野县松本市的手工艺人做扫帚丢弃的边角料而设计的。
“hiiro”是一款造型呈圆筒形的陶制水杯，设计师采用了源自6世纪的备前烧，这种不用上釉的陶器风格古朴，使用的是稻田里的泥土高温烧成，曾经是日本茶道必备的器具。
名为“tri”的织物手袋，是为日本拉链公司YKK设计，辰野使用了建筑行业被废弃的材料和品牌拉链，做了一款可以变形折叠的手袋。
这些作品体现了设计师的理念：。辰野希望自己的设计结合日本当地的产业，产品具有可持续性，符合自己“精良品质、讲述故事、传递故事”的设计理念。
Junpei & Iori Tamaki
设计中的对比
Junpei & Iori Tamaki由日本设计师玉置润平（Junpei Tamaki）和出生于中国台湾的设计师玉置唯织（Iori Tamaki）在2013年成立。两个人既是事业搭档也是生活伴侣，最初都是因为喜欢创作和思考，决定迈向设计师之路。2017年他们还获得了《Elle Decor》日本版年度日本新锐设计师奖。
“莫忘初衷，保持对于创作的热情。”
Junpei & IoriTamaki的设计不仅有家具设计，也包括室内空间设计。他们的客户包括意大利家居品牌Cappellini、Living Divani和日本的松下。
为Living Divani设计的椅子。前腿接合扶手和后腿接合靠背的流动感觉就像两条小溪连接在一起，所以它被命名为Revulet。
为Cappellini设计了一款名为“Flower”的架子。
台北 Cat Apartment
在参加2014年米兰国际家具展卫星展的过程中，他们结识很多设计界前辈，目前的海外设计项目大都是以此为契机开始的。他们在做设计的时候总是注意对比，同时思考“简单与复杂”、“个人与众人”的关系。作为亚洲设计师，两个人对亚洲传统工艺非常感兴趣，他们认为“其中潜藏了未来设计界发展的可能性”。
韩国
金珍植
用材料书写诗行
金珍植（Jinsik Kim），先后在荷兰埃因霍温和瑞士洛桑留学，后返回首尔，于2013年成立多学科工作室Studio Jinsik Kim。他的设计从研究材质本身出发，着力平衡作品的功能与纯粹性。曾获得多项国际设计大奖，也与Christofle、Baccarat、Bolon和爱马仕等奢侈品牌展开合作。
“优雅之美是一种非常个人化的体验。”
他的作品从最初始就非常纯粹，从材料本身的特点出发，简洁，具有雕塑美。他致力于在物体和空间中探索美感，不愿意被定义为设计师或艺术家。他喜欢英国艺术家Anish Kapoor，作品《天空之镜》在他看来优雅极了。
“half half round”镜子系列作品中，他将一块大理石与弯曲的不锈钢镜面交叉，视觉上只呈现简单的几何形状，材料不靠外物连接，只依靠自身的重量和形状实现平衡，由此形成了具有极高艺术品质和材料丰富性的高辨识度作品。
在作品里，金珍植希望用视觉化的方式诠释自己的思想情感，这是他创作的基本哲学。他通常从研究材料的本质出发，继而是形状和功能，他将这个过程形容为类似诗歌创作。
“Playful Wave”系列的一张大理石桌子。“一切始于海洋风光和人们打乒乓球时的情景，这两个场景在我看来十分美妙，我忍不住想：在海底打乒乓球会是一种什么样的感觉？”他依靠顽皮的想象力带来灵感，接下来寻觅蓝色纹理的大理石材料，最后连接简单的金属结构，形成鲜明对比。乒乓球网代表着海浪，深色大理石支脚代表海面下的神秘礁石。
“Balance from a line”，Jinsik Kim的作品的出发点是探索不同形状的线条。他相信的是，一个由二维线组成的物体如果存在于这里的环境中，它必须具有清晰度和精确度。
金珍植的创作是非常个人的。比起物品的舒适和效率，对他来说，通过作品表达个人情感更重要。他的作品具有对快节奏城市工业文明的反思，设计很多源自于对自然的感受，源自于童年……那些感受和情绪都是他最珍视的回忆。要做到对内心真实自我的捕捉，不随波逐流，他说：“重要的是需要理解材料的纯粹性，更重要的是，你得不断追问自己那个终极问题：我是谁？”
徐廷和
像艺术家一样创作
徐廷和（Jeonghwa Seo），曾于荷兰埃因霍温学习目前在韩国尚属于空白的情景设计(Contextual Design)专业。他非常娴熟地运用各种材质，推出了一系列凳子和桌子作品，在一系列重要展览上展出并被收藏，以极大的成功开启了职业生涯。
“艺术家”一词对某些设计师来说，是一个充满矛盾的词语，但徐廷和发现它还有积极的意义。他认为自己是属于艺术家型的设计师，他的家具创作首先代表的是个性化创意，而非迎合他人胃口。
Material container - 2018
Primitive physics -2017 (材质：玄武岩和黄铜）
徐廷和尤其擅长在作品中呈现天然材质与人工材质的对比，不管是经时间磨砺看起来未加修饰的木头与光滑的金属组合，还是雕刻得极其完美失真的木头与金属的组合，在徐廷和的设计中同样能达到让人感到惊艳的效果，这让他的作品具有艺术品般的收藏价值。
Blossoms on the bottle -2015
在徐廷和身上有一种尤其令人赞赏的轻松淡然气质，仿佛没什么会让他感到紧张，虽然在首尔的工作压力其实并不小。“材料”是他目前开启工作的焦点，但他认为这只是他职业生涯的序曲，不久的将来，他将开始着手从事有关形态和色彩的研究。
Mimi Jung
织出画卷
现居美国洛杉矶的Mimi Jung，1981年出生在韩国首尔，曾于美国库伯联盟学院（Cooper Union）学习美术，之后又在瑞士巴塞尔学习平面设计。在之后大约5年时间里，她一直在纽约从事书籍和展览设计的工作。在与丈夫Brian Hurewitz合作设计了纺织品和家具之后，Jung开始对编织艺术大感兴趣。
“编织艺术这种媒介才是自己真正的艺术使命。”
Mimi Jung的作品曾参加DesignMiami展，如许多设计师一样，设计与艺术的边界在渐渐被打破。
她将自己的作品视为用纤维、马海毛和皮革完成的绘画。她采用传统的织布机，但在各种经纱、材料和分层技术方面都具有相当造诣。
根据自己长期的移民生活经验，用这件铸造而成的作品探讨了文化认同的话题。作品上下部分的缺失和延续表达了原有的完整性与融合的可能性。
TEA HOUSE
Mimi Jung的作品考察了自我保护的多重维度，尤其是涉及到私人和公众的自我表现，以及通过社会和文化习俗体现出来的方式。她所构建的作品是固定的，但绝不是静态的。我们或许可以认为Mimi Jung那些看似抽象的作品具有反身性：看山是山，看水是水。
泰国
Ease
缓缓地前行
推荐人：Tanet Chantaket《Elle Decoration》泰国版主编
推荐理由：“因为旅游业和设计酒店的发展，泰国的室内设计和家居行业有了很大进步。在泰国政府的帮助下，年轻设计师也得以出现在国际舞台，他们对当地材料和传统工艺有着很深入的研究。Ease工作室抓住了传统工艺的情感价值，结合他们独特的设计语言，让传统的美感得以升华。”
Ease工作室由 Nichepak Torsutkanok和Wanus Choketaweesak两位设计师于2014年在泰国创立，以传统的泰国刺绣手工艺为主要创作对象，研发当代工业设计产品。2016年曾获得Maison & Objet Asia亚洲新锐设计师的荣誉。
“设计”不止于把物品变美，而是要把物品变得“更好”
打开Ease的主页，首先看到对ease的词义解释：ease（减缓），动词，使某事物朝着既定的方向缓慢地，谨慎地移动。由此也可以感受到Ease工作室两位设计师的个性风格，和他们对于设计的态度。
工作室成立之初，是为了效力于延续了30年的家族刺绣生意，逐渐演变成为围绕刺绣这一传统工艺而生发的集工业刺绣、艺术创作、手工艺研发的产品设计团队。
Atelier 2+
在泰国与北欧之间
Ada Chirakranont和Worapong Manupipatpong自2003年从泰国先皇技术学院（KMITL）的室内建筑专业毕业之后，又前往瑞典工艺美术与设计大学（Konstfack）深造，并于2009年取得了艺术硕士学位。回到曼谷之后，2010年，他们一起建立了一个小小的创意工作室。2017年他们曾获得Maison & Objet Paris亚洲新锐设计师的荣誉。
“我们不仅是思想家，而且是创造者。我们不只是创造建筑和对象，而且是创造视觉文化。”
一开始“主要是做木工活，也许更像木器作坊”。Manupipatpong觉得自己越来越喜欢做手工工作，之后工作室也逐渐对建筑、艺术、工艺和设计等多种形式的创意均有涉及，并且非常活跃地与曼谷本地以及国际上其他设计工作室合作。
Cane sofa
Greenhouse for Design House Stockholm
他说：“我不知道如何定义自己，设计师、工匠、建筑师或艺术家……也许，这并不重要。”但是他们很明确自己的工作介于艺术和设计，理论和实践之间。
印度
Kunaal Kyhaan Seolekar
源于传统
推荐人：Sneha Ullal Goel《Elle Decor》印度版主编
推荐理由：“我认为印度的设计师已经找到了自己的特点，不仅在专业上更紧密地结合民族文化，而且开始尝试新的技术。消费者也越来越了解什么是好的设计。Kunaal的产品非常能表达主人的个性，他经常使用自然的、原始的材料，它们的色彩和形状都能给他启发。他的设计简单直接，我相信他会有很精彩的未来。”
Kunaal Kyhaan Seolekar，2012年在印度西部城市浦那创立studioHAUS设计工作室，主要从事室内设计和产品设计，团队包括设计师、建筑师、印度手工艺人。曾在纽约帕森斯设计学院学习建筑，并于2017年创建当代印度设计家具品牌Koy。2017年获得印度版《Elle Decor》杂志EDIDA年度新锐设计师大奖。
“即便是最简单的设计，如果能触动我的内心、感觉愉悦，这便是奢华。”
除了室内设计和家具设计，Seolekar还做过演员、建筑师。这些经历，给他的设计都带来了潜移默化的影响。Seolekar从来不掩饰他对印度传统文化的爱，他认为亚洲文化非常丰富，这让亚洲设计与众不同，每种文化在审美、材质和工艺上都有自己的特点。Seolekar和他的团队一直与印度本土的手工艺人紧密合作。
COSMOS SHORT CANDLE HOLDER
COSMOS FIRE MASHAAL
“我对印度的材质非常着迷，比如印度有很多彩色石材。印度还有丰富的传统工艺，比如纺织、编织、刺绣、木工和对石材的使用，都特别有价值。我个人喜欢将自己的设计与文化遗产相结合，雇佣世代相承的当地手工艺人，使用传统的手工艺。具有当代设计理念又不失印度文化根源的设计，是Seolekar创作中的一个出发点。
他的ParkHAUS项目中，设计师将一座开放式的别墅进行了现代化的视觉设计。白色墙壁和镶嵌了宝石的水磨石地板构成的室内空间里，Koy的设计家具好像在相互对话。
作为一个产品设计师，同时也是空间设计师，Seolekar认为，好的作品本身就是一个故事的讲述者。“故事是由它自己显现出来的。”在开始一个项目的时候，基于概念本身，他会创建一个mood board（情绪板），收集图像、色彩、材质、文字灵感。渐渐地，思路越来越清晰，一个空间的故事浮出水面。
越南
Vũ Hoàng Anh
实用与美的结合
推荐人：Nguyễn Phan Thuỳ Dương《Elle Decoration》越南版主编
推荐理由：“随着经济的蓬勃发展，越南的家具市场和产品设计领域具有巨大潜力。越南作为世界制造中心，拥有丰富的传统手工艺和文化，因此越南年轻设计师拥有许多优势。近年来的开放政策，更使得越南的设计圈非常活跃。家具产品设计师Vũ Hoàng Anh有着清晰的设计思路，如今Anh开始了自己的设计系列，每一件产品都有非常强的个性和品质。”
越南设计师Vũ Hoàng Anh出生在河内，在美国俄亥俄州威斯理大学求学期间，主修艺术和3D设计。在这段时期，Anh加入了一个在纽约的艺术项目，接触到了当代艺术和设计。2012年，Anh回到越南加入District 8家具品牌，主导设计和研发团队。
果断、自省并且合理的设计风格
产品设计对他来说，是回答3个问题，为什么做、怎么做和做什么。创造首先需要明确需求，这就是为什么做。之后如何满足需求，并最终产生一个合适的解决方案。
CENTRE DINING SOFA
DZIEU是一款多功能的壁挂式存储系统，具有艺术性的开放式结构，可以从不同的角度展示您所选择的展示物品。
Anh设计的产品不仅仅是审美意义的作品，更是功能价值的体现。2017年，Anh在胡志明市设立工作室，全面发展自己的设计事业。从很早开始，Anh就注意到手工艺人的重要性，从开始的概念草图，到实际制作一个产品模型，与工匠们的研讨和交流是非常重要的步骤。这样的互动，让Anh的作品兼具实用性与美感。